澎湃新聞記者 黃松 整理
“在他的作品裏，我們看到一種民國氣息，尤其是那些融合中西的作品，隱藏著一種早已逝去時代的特殊表情，所以我們理解和認識陳鈞德，不要總是‘意象’之類的簡單概念出發，應該回到歷史的深處，去尋找生命的源頭，才能看到一個真正的陳鈞德。”
陳鈞德（1937-2019)是中國當代重要的油畫家、美術教育家，“陳鈞德藝術與文獻特展”（9月10日至10月7日）正在上海劉海粟美術館舉行。
展覽梳理了陳鈞德的藝術之路，他與顏文樑、劉海粟、林風眠的交往，以及逐漸確立自己超然物外的風格。展覽開幕當天，在劉海粟美術館館長鮑薇華的主持下，原中國美術學院院長、中國油畫學會會長許江、藝術評論界賈方舟、尚輝等，以及陳鈞德的學生、家人，此次展覽的策展人靳文藝、丁曦林、酈韓英等參加了學術座談。以下為發言摘錄。
陳鈞德，《自畫像》，50×40cm 布面油畫，1963
研討現場
許江（中國文聯副主席、中國美協副主席，中國油畫學會會長）：
這不僅是陳鈞德老師的回顧展，可以作為改革開放40年來油畫變革史看，展示的不僅僅是一種個人風格的變化，更是一種藝術語言的深刻變遷。
我覺得陳老師的一生，有三個階段的變化。第一個階段，20世紀70年代末，改革開放帶來的巨大變遷。在之前，陳鈞德已經師從劉海粟、顏文樑、林風眠等老先生。他的藝術帶有上海傳統都市寫意的影響。但他的藝術中，我覺得還有像決瀾社的倪貽德、龐薰琹等人的影響。
展覽中，陳鈞德作品《家鄉的河》，可見其受林風眠的影響
我看到展廳中有一幕特別有趣，一邊是塞尚畫冊，一邊是他臨摹的古畫。塞尚畫冊是巴金買了去的，他實在喜歡，巴老割愛讓給了他，後來他又捐給了巴金故居。這本塞尚畫冊，我估計陳鈞德沒少研究，而且是在改革開放之前沒少研究。另一邊他大約70年代初臨摹的古畫，這是我們這一代剛剛開始學油畫的時候，他用油畫、用相對後印象表現的方法，探索臨摹和研究中國古畫的可能性。
展覽現場，展出的一本塞尚畫冊和巴金紀念館捐贈贈書
所以當時稍有開放，印象派、後印象派的畫冊進入中國，給他帶來很大的影響，他的色彩為之一亮，而且畫法也不一樣。期間代表作有我們熟知的《曾經有普希金肖像的街頭》，還有《復興公園雪霽》 。復興公園是他和海老一起畫的，我覺得是用後印象派的方法畫中國風景畫得最好的一張，從運筆到用色，渾然天成，是那個時代，中國人懷揣印象派理想的精品。
展覽中，陳鈞德和劉海粟在同一位置寫生的復興公園，右為陳鈞德作品。
第二階段是90年代中後期，他有兩次出行，一次是到雲南，在那個紅土綠樹茂密的地方，他找到了紅綠對比的亮色，他的筆一下子松了。
陳鈞德雲南寫生
另外一次出行是到巴黎，但摔了一跤不能出去寫生，陳箴給他做了很多畫框，他就在室內默寫，默寫對他的寫生是巨大的突破，所以他寫道：“不能滿足於記錄表象，不要只畫可視的東西，而且要畫不可視的內涵。”我覺得這個感悟是超越性的，這種可見與不可見，我們講繪畫，繪畫的使命是什麼？是使不可見成為可見。這讓陳鈞德把觀看從景象再現當中跳出來，進入了一個比較自由的境地。
陳鈞德巴黎寫生
第三階段是21世紀，“山林雲水”系列，他個人風格強烈起來，油畫尚黑，但他卻反其道而行；他造型橫布，山撲面而來，形成了立軸式的表現方法，一句中國的成語叫“雲嵐疊岫”，我想就是這個意思。
“山林雲水”系列
陳鈞德在上海油畫“都市寫意傳統”基礎上發展到一個新的高峰。陳鈞德找到了色彩松快而強烈的對比，從可見和不可見的感悟中跳出了景象記錄。
陳鈞德，《山林雲水圖系列—夏夢清曉圖》，116×146cm，布面油畫，2008
看到他畫雲海，踏入了迷白的境地，讓整個油畫亮起來。看他病中畫的香港遠景，空門浮動，猶如惠風。讓我想起蘇東坡《望湖樓醉書》：“黑雲翻墨未遮山，白雨跳珠亂入船，卷地風來忽吹散，望湖樓下水如天。”陳鈞德的藝術有一種語言研究的精微。眾人尚黑，他卻迷白。我想他肯定研究過張岱的《湖心亭看雪》，“上下一白”的詩意。
展覽作品
陳鈞德最後一批作品，讓人拍案叫絕。我覺得他一定是悟到什麼，感受到生命很短了，所以他用濕粉筆，抓住精微，所以表現快意、松實，讓我驚嘆，也為之惋惜。
陳鈞德晚年畫的上海風景
賈方舟（美術批評家）：
過去我們說“陳鈞德在當代上海畫家中是承上啟下的”這句話其實很空泛，但此次展覽給我提供了非常充分的根據。
要尋找陳鈞德的脈絡，可以看到劉海粟、顏文樑、林風眠等在歐洲吸收著不同流派，不同的現代藝術因素完成了他們自己。還有一條暗線，是上海早期畫家，比如陳抱一、關良等，他們在日本學習，受到野獸派的影響，在色彩上超越了自然主義，由客觀描述自然轉向主觀抒發情感，這在陳鈞德的作品中非常突出。因此，我們研究陳鈞德，可以從研究海派受西方現代主義影響的畫家上找到源頭。
關良給陳鈞德的寄語。
第二，陳鈞德是一個色彩大師，他在油畫語言的最重要的一個方面——色彩。色彩是油畫最重要的語言，陳鈞德在油畫的色彩語言上的推進，到了八十年代以後他色彩天賦真正顯現出來。
展覽作品
第三，對於現在“有‘高原’沒有‘高峰’”的說法，我覺得如果沒有“高峰”，“高原”是不是“高原”也值得懷疑？文化的創造者都是個體，文化的最高代表也是個體，沒有出類拔萃的個體，“高峰”很難說。
陳鈞德，《夢境》，200X300cm，布上油畫，2011年
戴士和（中央美院教授，油畫家）：
我喜歡陳鈞德先生的畫，尤其是《梧桐樹的林蔭道》，這種林蔭道在上海很多，他筆下的梧桐樹樸實而單純。他筆下梧桐樹的樹幹幾乎是檸檬黃的，但是你不覺得這是後印象派、野獸主義套路，這是他自己的視覺，與心理上是一致的。我們畫畫不是要誇大其詞，而是要讓顏色，讓造型往心裏去，讓自己真實的感受能夠流露到畫面上。
展覽現場，《梧桐樹的林蔭道》
劉淳（藝術史學者，美術批評家）：
我認為陳鈞德先生是被中國現代藝術史低估了的畫家，目前的研究還只是處在零散的階段。
此次展覽是對陳鈞德研究的補充和深入的持續，他的貢獻，不僅是完成了數量可觀的作品，也不是開創了一種畫風，而是在20世紀60年代，拒絕了蘇聯繪畫模式，勇於走出一條屬於自己的路，在六十年代，可能很多人不一定有這個膽量，甚至處於麻木的狀態，大膽地主張現代主義，尤其是早期印象派的，據我所知，可能就有兩個人，一個是1937年2月出生的陳鈞德，一個是1937年4月出生的袁運生，他們是同齡人。走出了一條自己的路。一個真正的藝術家，必須永遠保持自己的感覺，不被藝術制度操控。
1980年“劉海粟、關良、顏文樑、陳鈞德作品展”文獻資料
正如先生自己所說：“我畫畫的雙手帶著生命之火而來的，只要生命之火還在，我就要繼續畫下去。”從這句話看，他所理解的繪畫，不是簡單的手藝和規範，而是與生命有關的活動，他將藝術與生命聯系在一起，將藝術當成生命的一部分，任何苦難與快樂，都會使生命變得強大而飽滿。
陳鈞德，《日映嵐光輕鎖翠》，120×120cm，布面油畫，2008
陳鈞德始終在中國大陸生活，可能很少有人能與他相提並論。在他的作品裏，我看到一種民國氣息，尤其是那些融合中西的作品，隱藏著一種早已逝去時代的特殊表情，所以我們理解和認識陳鈞德，不要總是“意象”之類的簡單概念出發，應該回到歷史的深處，去尋找生命的源頭，才能看到一個真正的陳鈞德。
陳鈞德最後一件作品
張祖英（油畫家、中國油畫學會副會長）：
我和陳鈞德是上海戲劇學院的同學，我一年級時，他是畢業班，我們到學校看的第一個展覽就是畢業班到蘇州的寫生展。我和他也都在劉海粟先生那學習過，所以我們的來往非常密切。
劉海粟與陳鈞德夫婦在復興公園
我想講幾點，第一，陳鈞德在創作上，非常勤奮，勤於思考，每年的大量時間，都在寫生；另一方面，陳鈞德心地善良、處事低調，順其自然，順勢而為。這種心態，使得他待人於世無爭，但是他對藝術充滿著火一樣的熱情。
第二，他的創作大部分來源於寫生，但是生活裏的寫生，他不是照搬自然、照抄生活，他非常善於把自然界的對象和藝術表達做到完美的切換和結合，奧妙無窮。所以看他的作品，能感覺到他畫面上的色彩和形體轉變的魅力，他的畫看得出文化。
陳鈞德巴黎寫生。
毛時安（文藝評論家）：
對於陳鈞德是否屬於“海派”的問題，我覺得藝術家是所有藝術關系的總和，陳鈞德確實是上海文化環境中成長起來的，上海文化中始終保留著主流文化之外的一塊飛地，正是這塊飛地，使上海藝術產生了一些獨特的、令人註目的藝術家。如果追溯的話，大多延續林風眠、周碧初、吳大羽一脈，也正是上海文化給他們的藝術以傳播空間。
陳鈞德在1960年代向林風眠學習，圖為林風眠作品。
陳鈞德醉心於藝術的本體，特別是色彩。他在繪畫當中充分享受到了色彩塗抹帶來的生命語言。他不是強調功利的畫家。所以在沈重的藝術背景下，他特別輕松，也沒有取悅市場，而是一個人在藝術小路慢慢行走。
展覽中，陳鈞德不同時期的自畫像
畫家和時代的關系，不是公式化的。可以貼近時代，成為一個偉大的畫家，但遠離時代，也可以成為偉大的畫家。他走了一條和時代保持距離的道路。所以藝術沒有死路，關鍵是藝術家自己的天賦和藝術的關系怎麼處理。
陳鈞德，《帝王之陵》，120×160cm，布面油畫，1986
陳鈞德是一個讓人有愉悅感的畫家。不拘泥於物象，他有很多色彩是超越圖象、物象的勾勒。他是一個值得研究的個案，就是在上海產生，離開上海這塊土地，可能就不會有了。
展覽現場，呈現了陳鈞德從寫實到寫意額變化。
李超（藝術史學者，上海美術學院副院長、教授）：
真正跟陳鈞德先生交流是寫“上海油畫史”，當時我學識很淺，但是陳先生很包容我，因為覺得這個小青年還是喜歡做點學問，還是要鼓勵他。
從油畫史的角度，對於陳鈞德一代，做怎樣的整體學術的梳理和價值判斷和評價，做美術史研究應該有的學術擔當。
展覽現場，關於1980年“劉海粟、關良、顏文樑、陳鈞德作品展”的講述
第一，關於陳鈞德背後的文化形態問題。他出現在上海，如果我們完全是從“海派”或者“非海派”去談，實際上各有各的說法，我有幾個研究的體會供各位參考。
像劉海粟和林風眠，在美術史上沒有交流過；林風眠和徐悲鴻，他們交往也沒有材料。但他們的後一輩，陳鈞德、丁立人等1930年代出生的這批畫家，他們都請教過老先生，可以看到，其實老先生並不是沒有交往，他們“貌離神合”，一些交流從學生中體現出來。
延伸到上海美術在二十世紀一度處於話語權的中心，1930年代有一個高峰期。抗戰爆發後雖然人才“流失”了，但潛流還在，上海先鋒實驗的形態，沒有消失。哪怕在1952年到1959年，上海美專離開了上海後，上海美術教育卻沒有斷層，它有另外一種形態，比如說民間畫室等，張充仁、顏文樑、劉海粟等在這種形態裏面培養了很多人，陳鈞德先生是其中之一。
我認為現代主義的潛流形態，可以從抗戰追溯到五十年代，甚至到1970年代的上戲、工藝美校，這個形態的影響力和覆蓋面是很大的。
展覽現場，閔希文與陳鈞德的通信。
第二，中國油畫史的研究中背後也是研究中國油畫的邏輯問題。一般來講，油畫分“寫實”和“現代主義”，但中間地帶的邏輯很模糊。陳鈞德給了一個啟發，實際上是以“後印象主義”為主線，這條路實際上在中國的一百年當中，還沒有很好地整理，其中藝術家群體很多是被遮蔽的。這是我們需要重點研究的。
陳鈞德，《小息》，116X90cm，布面油畫，2015
第三，我看到塞尚的畫冊，我覺得這次展覽抓到了藝術史的見證之物，就是塞尚。上海畫家很迷塞尚的，我們現在收集到了一本抗戰勝利以後，朱屺瞻送給程十發的塞尚畫冊，還有建築師林樂義的塞尚畫冊，上海畫家的塞尚畫冊也很有講頭。
巴金故居藏《塞尚畫冊》
潘耀昌（藝術評論家，上海美術學院教授）：
展覽不僅體現了陳鈞德的作品，也看到了新中國成立後上海繪畫的發展軌跡，包括有影響他的和被他影響的。這個是正統的美術史中，還沒有關註到這樣的地方。
上海解放之初，沒有正規的美術院校，劉海粟先生上海美專遷出去了。相對學院的力量削弱了，其他的力量就漸強了。1950年代末，上海人民美術出版社、上海中國畫院、美協等相對的力量就變強了，也因為不受學院的拘束，相對顯得比較自由。
上戲的舞美系，是解放前延續下來的，是新中國成立後上海最老的、與繪畫有關的院系。當時戲劇學院的一些學生，回憶起他們的老師，包括陳鈞德先生，在全國批判印象派的形式主義的時候，反而說，舞美要關註色彩，印象派色彩最好。在學院中形成以素描、透視，跟色彩、形體緊密結合的做法。可見在相對獨立的院系的教學成果也不容小覷。
陳鈞德在上海戲劇學院教授的人物寫生。
李曉峰（藝術評論家，上海美術學院教授）：
陳鈞德先生的這張臉，白凈、斯文，典型上海人的臉，但他對工作和藝術創作卻是嚴謹，我覺得這是解讀陳鈞德先生的油畫不應該忽略的維度。
我想補充一點，陳鈞德先生的油畫，色彩一出手“洋氣”。這種洋氣背後隱含的是一種城市文明、城市精神和城市品德。在顏色中，不僅是和煦、溫暖，人情味、人性化，甚至看到謙謙君子，彬彬有禮，和藹的感覺和民主的氣息，我想用人格品質去理解他的作品和色彩。
陳鈞德，《自畫像》，55×55cm，紙板油畫，1980年代
他是一股憤世嫉俗的清流，所以才有了那幅1979年“十二人展”轟動的名作《有過普希金肖像的街》。我認為他敢於在當時主流的美術環境下，不作主題創作，他就畫風景，這種風景既代表著陳鈞德的藝術理想，又呈現了這座城市的品質和美學趣味。我想陳鈞德先生內心也許就是熱愛自然、熱愛城市，所謂大隱隱於市，所以他既是紳士也是隱士。
陳鈞德，《有過普希金銅像的街》，50×70cm，布面油畫，1977年
俞曉夫（上海美協顧問，油畫家）：
我想如果沒有特殊的時代，而是一直延續留洋畫家的繪畫風格，那麼陳鈞德老師的風格在當下會司空見慣的，但是我們沒有這個機會。這並不是否定學習蘇聯繪畫，而是藝術的多元選擇。
至於陳鈞德的畫法，我認為學不會，畫家各有氣質，但他藝術的專註精神，他對色彩的理解，我們是要好好學習。
陳鈞德，《夢中的詩》，150×110cm，布面油畫，1986年
李向陽（上海美協顧問，油畫家）：
雖然我沒有更多的機會跟陳鈞德先生有交集，但是我自認為跟他有點溝通，我們都當過兵，都在部隊搞過舞臺美術，都註重風景、考慮色彩。
雖說有過共同的想法和追求，但是每次看到陳鈞德作品，我感到最難的是對比強、反差大，顏色像是從吸管直接擠出來的，最後畫面這麼漂亮、統一、和諧，他是通過怎樣的技法和手段，讓整個畫面穩定的？這是陳鈞德高明的地方，我不行。
看到閔希文先生有一封信，我釋懷了。他講，“學繪畫是要天賦的，後天是學不成的。”我突然間心裏平靜了很多，他是一個天才。而且他有機會能夠在劉海粟先生，在林風眠先生邊上畫畫，我生不逢時，沒這個機會。
另外，我想說展覽名，不一定要叫做“海派油畫大師”，海派小了，油畫也小了，大師在當下更小了，陳鈞德就是陳鈞德。
陳鈞德，《雙人體》，布上油畫，150×150cm，2008
周長江（上海美協顧問，油畫家）：
我曾在上海戲劇學院學習和任教，對我們這代學生來說，當時老師有很多，但對我來說印象最深是李山和陳鈞德。年輕時更喜歡李山，但後來，我和陳老師接觸多了，他的藝術感想我知道很多。
他的色彩，是他研究過程的結果。這在中國特別重要，盡管引進西方油畫百余年，但是對色彩的重視還比較欠缺。陳老師從寫實繪畫中逐步走出來一個完全不從於內在心象的色彩，這個色彩是我們中國人，中國文化引出來的色彩，大膽而光明，充滿陽光感。
他的顏色體系是暖色調的最高位，他的目的就是為了表達心中的陽光。確實，色彩是最能夠表達觀感，色彩是最能夠表現人的性格。
陳鈞德，《檸檬鮮花圖》，布上油畫，120×120cm，2007
曲豐國（上海戲劇學院副教授、畫家）：
我進上戲後，陳老師第一次給我們上課時，我們只有十幾歲，陳老師說“明年我就50歲了”，當時第一反應是這麼老，沒想到我們現在都年過半百了。
我想他所有的源泉都和自然有關。他一有時間，一定是跑到大自然中。他給我們上課的時候說：“你們的老師有兩個，不是我，第一是自然，第二是藝術史裏的大師”這給我的印象很深。我想他的整個色彩，包括對世界的感受，就是在自然裏獲得的。
展覽現場
他說的“藝術史的大師”是什麼呢？我想就是藝術自身不斷地運動帶給他的刺激，也是他從他身邊的，劉海粟、顏文樑先生等藝術大家處獲得的。
他從來沒有把自己局限在中國的、或是上海的藝術家。他把整個藝術史攤開，全部容納和接收。他曾經說過一句話——“仔細看，塞尚畫裏的透視是反的、它是對抗。實際上塞尚畫畫的時候是站起來的。”我們後來理解，原來陳老師大量畫的比例關系，包括透視也是反的。其實他的所有言行，包括後來對學生不斷的培養和教育，一直在踐行自己的藝術創造方式。
陳鈞德，《山野交響》，150×110cm，布面油畫，1985
另外，我想陳老師到生命最後的精彩華章，房間裏洋溢的根本不是畫，那就是一團一團的“火”。陳老師一直在說“藝術燃燒”，他從來沒有把自己作為一個所謂的藝術家。他把自己的命運對應到這個世界。最終他發現“自然”就是我。
陳鈞德最後的作品《勿忘我》畫布背面
姜建忠（上海美術學院教授，油畫家）：
八十年代，我在軍藝上學，那時候有同學說，畫家都集中在北京，上海畫家現在都不太知道。當時我就把陳老師的上海街景和《復興公園》的印刷品給他們看，當時有一些同學很震驚，有一部分不理解，因為那時還是蘇派，對於印象派之後的繪畫，好多人不太理解。
陳鈞德，《復興公園雪霽》，布上油畫，90×120cm，1977
我想說陳老師當時這條路時，是主題性創作盛行的時候，按陳老師的能力，他也可以轉換畫主題創作，但他沒有，他很堅定，民國老先生，像劉海粟、林風眠，他們沒走完的路，他就認死理往裏走。他是一個謙和人，但他內心是非常強大的，因為內心不強大，他是抵抗不了周圍壓力的。
陳鈞德，《山林雲水圖》 120×160cm 布面油畫，2002
某種程度講，他當時一個人在戰鬥，沒有參照。一直到九十年代，他的畫越走越成熟。他的畫，線、面、色彩，帶著一種隨意性，他的心境也把東西方文化都結合得很自然。
一座城市的文化需要能力非常強的藝術家支撐。看上去是一個大的文化現象，其實是由個人來獨立完成的，如果把那幾個人抽離了，這座城市的文化也就削弱了。
陳鈞德，《上海的早晨》，50×40cm，布面油畫，1978年
黃阿忠（上海美術學院教授、畫家）：
2017年在北京中國美術館的展覽上，陳鈞德最後講了一句話，很感人，他那時候已經生病了。他說“我要用我最後的力氣，還要繼續下去。”一下子把情感帶進了我們的心。
我們是他的學生，我曾經跟他一起去寫生，他跟我講過，寫生是寫生命，寫自己的生命。他把自己的精神都傾註在他的畫裏面。
1979年1月，“十二人畫展”中《有過普希金銅像的街》感動了很多人。但對學生，他說“你們不要跟我一樣。”我感覺陳老師是一個心裏很幹凈的人。因為幹凈，所以說才會有最後很純的顏色，這種顏色是打動人的，而且是一般人不可能把那麼鮮艷的顏色組合在一起，但在陳老師手上，就達到了某種和諧的意味。
陳鈞德最後未完成的作品
查國鈞（旅美藝術家）：
陳老師臨終前一段時間，我們是一起度過的。他臨終之前一天上午，我知道他不行了，我就趕到醫院，他看到我就流淚了，我當時也很害怕，不曉得講什麼。結果他講了一句話：“我走倒不怕，就是不能畫畫了。” 我2006年回國，我們一起帶了四屆研究生，變成了非常親密的朋友，他是我的學長也是同事。他的個性像非常鮮明，但也曾打架，打架是為了學生，為了他帶的唯一的研究生跟院長打起來，那次他發火了。
他比我長幾歲，我們一起去寫生，走了半天，他卻選了個地方頂著大太陽畫，而且一張兩張接著畫，我站了半天。他說“你還沒動工啊？”最後我鉆到一個大樹底下，看著他，大熱的天，他就戴個帽子站在日頭下，我很感動。如今他走了我感觸很多，只簡單講這些。
陳鈞德，《威尼斯》，73×60cm，布面油畫，1999
陳鈞德去故宮參觀，為此劉海粟寫信給徐邦達（左）；劉海粟為陳鈞德油畫集題字。
顧村言（澎湃新聞藝術主編）：
記得四年前陳鈞德先生在中國美術館的展覽，專程看了，很感慨，也與陳老師短暫交流，當時曾想和他做一個對話。這次上海展覽的作品比北京的多了不少，因為是文獻，可讀處也非常之豐富。
確實，陳鈞德先生的作品讓人印象深刻的是他的色彩，尤其是那些融合中西的作品，既有中國文人寫意的趣味，又有印象派的的氣息與質感，從中可以看到一種清晰的文脈。他畫陽光下的老上海街道，很亮，隱隱的透明感，有一種屬於江南的甜媚的美，他身上有著清晰的南方書生氣。當然，相比他取法的前輩劉海粟等老先生，似乎少了一些生命中的宏闊與深刻，多了一點淡與甜，這可能與各自的人生經歷與體悟有關。其實他早年學習劉海老，是有深刻處的，當然，彼時只是模仿階段。不管怎麼說，在中國同輩畫家中，尤其是對比那些畫主題畫的畫家，他的拒絕與自甘邊緣，低調而卓然而立，沈向藝術的本體，這個態度是非常難得與可貴的，對當下的藝術家也是值得真正反思的：作為藝術家，想要的到底是藝術，還是別的什麼？
張維萍（寧波美術館館長）：
陳鈞德是寧波鎮海籍的藝術家，但一直沒有機會了解更多。今天各位對他的描述和評述幫我勾勒出陳鈞德的鮮活形象。這個展覽對藝術史的研究提供了又一角度。
展覽現場
劉蟾（劉海粟之女）：
陳鈞德先生和我們很小就在一起，那時陳鈞德來我家裏談畫，我覺得他的思想永遠是洶湧的，止不住的，他的胸襟就像大海一樣，所以我對他的印象很深。
我父親常說，“蠶吃的是桑葉，吐的是絲，自己又破繭而出，那是一種升華。”我覺得陳鈞德就這麼走完了他的一生，他給自己總結了最後一條經驗，是肺腑之言，“生命為藝術而燃燒，一直到燒完為止。”
我非常感謝陳鈞德的背後，他的妻子羅兆蓮女士，她的付出是非常大的。我們從小在一起，我知道她打理好一切，所以我們也要感謝羅兆蓮女士，我的發言也是表達對她的敬意。
陳鈞德
註：本文由速記整理，“海派油畫大師陳鈞德藝術與文獻特展”展出至10月10日。
責任編輯：顧維華
校對：丁曉